Lana Turner surnommée "La fille au pull" - "The sweater girl"

 

 

 

 

 

ASLAN GRÉGOIRE (1908-1982)

 

 

 

 

 

  

  

 

  

  

Tony Curtis fut à n’en pas douter l’un des grands acteurs de sa génération, doté d’un charisme tout à fait spécial et d’un jeu souvent très naturel. Il fait hélas partie de ces stars déchues dont aujourd’hui on se souvient à peine. Car en France notamment, le grand public se rappelle de lui pour la série Amicalement vôtre, tout en négligeant une filmographie plus que prometteuse, déjà puissante, parfois exigeante.

 

  

  

  

Du milieu des années 1950 au milieu des années 1960, Curtis a enchainé les projets captivants, passionnants même, partageant l’affiche avec certains des plus grands acteurs de l’époque, de Burt Lancaster à Kirk Douglas en passant par Gregory Peck. D’homme de la rue, il est devenu homme de cinéma, un véritable acteur complet, situé bien loin des clichés entourant sa beauté de jeune homme séduisant et tapageur.

  

  

Il n’eut pas le destin tragique d’un James Dean, mort trop tôt après seulement trois films. Il n’eut pas non plus le destin d’une star durable, à l’image des acteurs mythiques avec lesquels il a pu travailler. Il embrassa la gloire dans une fulgurante ascension, contre vents et marées, face aux studios régulièrement incapables de l’employer à sa juste valeur. Il redescendit de son piédestal presque aussi vite qu’il y fut monté et, dès la fin des années 1960, entama une suite de carrière aussi sombre que très inégale. Voici un petit retour sur ce qui a constitué le principal de sa filmographie...

  

 

 

Dans les années 1950, à la suite d’une montée en puissance au travers de seconds rôles et apparitions remarquées, Tony Curtis tourne dans tous les genres avec brio, s’approprie tous les rôles, et n’hésite pas à s’avilir ensuite dans la peau de personnages peu fréquentables. Le Fils d’Ali Baba (1952, Kurt Neumann), Houdini le grand magicien (1953, George Marshall), Le Chevalier du roi (1954, Rudolph Maté) et Le Cavalier au masque (1955, H. Bruce Humberstone) font de lui une star en devenir, lisse, juvénile, fougueuse, sorte d’alternative aux héros bondissants qui font la joie du public et trouvent leurs traits en les visages d’Errol Flynn (1) ou de Burt Lancaster. Athlétiques, bondissants, acteurs remarquables à tous les niveaux, des monstres de charisme que Curtis rêve d’égaler.

 

  

  

  

Mais la Universal l’enferme dans un rôle d’aventurier au sourire éclatant et au caractère enflammé duquel il n’aspire pourtant qu’à sortir. Il tente bien entendu l’aventure du western, avec Les Années sauvages (1955, Rudolph Maté) ; et en dépit du très bon drame social La Police était au rendez-vous (1955, Joseph Pevney), Curtis demeure le jeune premier faisant la une des journaux pour teenagers et des magazines de mode.

  

 

 

Fort heureusement, c’est Burt Lancaster qui lui fera confiance et l’engagera dans un film qu’il produit lui-même. (2) En 1956, Trapèze sera donc l’occasion pour Tony Curtis de déployer non seulement ses talents d’acrobate mais aussi ses talents d’acteur dramatique aux côtés d’une immense star. Dès lors, les portes s’ouvrent et les films plus matures lui parviennent. L’année suivante, il enchaine avec une comédie dramatique de Blake Edwards, L’Extravagant monsieur Cory, et surtout avec un chef-d’œuvre,

 

  

 

 

Le Grand chantage d’Alexander MacKendrick. Encore une fois aux côtés de Burt Lancaster, il rayonne et fait jeu égal avec lui, grâce à une interprétation remarquable qui fera date dans sa filmographie. Film social, avec en ligne de mire le milieu de la presse et des relations publiques, Le Grand chantage est le genre d’uppercut émotionnel que Lancaster affectionne tout particulièrement. D’une justesse à toute épreuve, le film dévore ses personnages, qu’il s’agisse du granitique et impressionnant Lancaster ou de la petite frappe arriviste personnifiée par Curtis, rien ni personne n’en ressort indemne.

  

Cynique, arrogant, nihiliste même, décrivant un monde où la fraicheur et l’innocence ne peuvent pas survivre, à moins de s’en échapper. Plus qu’aucun autre film auparavant, Le Grand chantage offre à Tony Curtis ce après quoi il courait sans relâche jusqu’ici, la reconnaissance de son travail d’acteur.

 

 

 

  

L’année 1958 sera énorme, avec quatre films dont au moins deux chefs-d’œuvre. Dans Les Vikings de Richard Fleischer, Tony Curtis joue face à Kirk Douglas et met le Moyen Âge sens dessus dessous. Le film reste encore aujourd’hui l’un des plus grands jamais produits sur cette période de l’histoire, grâce à son souffle insurpassable, ses couleurs flamboyantes, sa violence inattendue, sa musique entrainante et sa réalisation ébouriffante. La Chaîne de Stanley Kramer lui permet de jouer face à Sidney Poitier, dont l’aura n’en finit plus de monter également. Un criminel blanc et criminel un noir s’échappent d’un fourgon de police, menottés l’un à l’autre.

  

  

  

  

  

Ils devront s’entraider malgré le racisme, les autorités à leurs trousses et la violence qu’ils rencontreront, pour enfin transcender leur différence dans une belle union fraternelle. Beau plaidoyer pour l’amitié interraciale dans une Amérique encore largement soumise au racisme, surtout dans certains Etats (3), le film fait l’effet d’une bombe.

  

  

  

Moins fort, mais presque aussi marquant, Diables au soleil de Delmer Daves permet à Tony Curtis de jouer face à Frank Sinatra qui, de son côté, ne cesse d’améliorer ses très fortes performances d’acteur. Il s'agit d'un film de guerre différent, traversé d’une superbe histoire d’amour, renouvelant encore avec talent la vision d’un conflit pourtant maintes fois porté à l’écran. Curtis y est aussi impeccable que repoussant.

 

  

  

  

Puis vient une comédie, toujours signée Blake Edwards, Vacances à Paris, sans audace mais amusante. En 1959, Curtis est à son zénith et partage l'affiche avec Jack Lemmon et Marilyn Monroe dans l’une des comédies américaines les plus populaires de tous les temps, Certains l’aiment chaud de Billy Wilder.

 

 

 

  

  

Si Lemmon  par sa gouaille redoutable, il ne faudrait pas pour autant minorer l’impact du jeu très inspiré et très différent de Tony Curtis.

 

  

  

Sur fond de prohibition, cette comédie délurée raconte les aventures de deux hommes obligés de se travestir afin d’échapper à la pègre de Chicago. Déguisés en femme, les deux personnages intègrent un orchestre féminin et s’en vont pour la Floride. Mais leurs mésaventures ne font que commencer…

 

  

  

Un florilège de scènes cultes et un admirable chef-d’œuvre au bout du compte, malgré son sujet considéré comme graveleux à l’époque de son tournage. La même année, bien plus anodin reste Opération jupons de Blake Edwards, que l’acteur a accepté afin de jouer avec l’une de ses idoles de jeunesse, un Cary Grant toujours aussi fringant mais alors en fin de carrière. Poussive, cette comédie ne décroche aujourd’hui que quelques sourires pour les spectateurs les moins exigeants.

 

 

 

  

Quoique fort bien démarrées, les années 1960 ne vont néanmoins pas renouveler l’extraordinaire poussée de l’acteur à la fin de la décennie précédente. Il tourne cependant Qui était donc cette dame ? (1960, George Sidney), hilarante comédie dans laquelle il donne la réplique à un Dean Martin plus drôle que jamais, et Spartacus (1960, Stanley Kubrick), péplum incendiaire qui lui permet de croiser à nouveau la route de Kirk Douglas.

 

  

  

  

  

Curtis tourne ensuite deux comédies romantiques sous la direction de Robert Mulligan (Les Pièges de Broadway en 1960 et Le Roi des imposteurs en 1961), un cinéaste alors en passe d’être auréolé de gloire pour Du silence et des ombres avec Gregory Peck (4), puis sous celle de Jack Lee Thompson, très bon technicien lui-même dans sa meilleure période (5), pour Taras Boulba, malheureusement un piètre film d’aventures.

 

 

  

 

Par la suite, il est enfermé dans une succession de comédies romantiques qui limitent une nouvelle fois ses horizons. Malgré un cameo dans Le Dernier de la liste de John Huston (aux côtés de Burt Lancaster, Kirk Douglas, Frank Sinatra ou encore Robert Mitchum) et un très joli rôle dans le sublime drame de guerre Le Combat du Capitaine Newman de David Miller, aux côtés de Gregory Peck, il ne reçoit plus que des propositions de personnages peu ou prou loufoques et embarrassés par la gent féminine. Pour des films souvent proches des comédies familiales tournées par Doris Day avec Rock Hudson ou James Garner, mais qualitativement moindres.

 

  

Si les réalisateurs restent parfois prestigieux, il n’en reste pas moins une flopée de films relativement mineurs et sans génie, quoique sympathiques et divertissants, et tournés aux bras de splendides actrices telles que Debbie Reynolds et surtout Natalie Wood. Des ennuis à la pelle (1962, Norman Jewison),

  

Au revoir Charlie (1964, Vincente Minnelli), Une vierge sur canapé (1964, Richard Quine), Surtout pas avec ma femme (1966, Norman Panama), et Comment réussir en amour sans se fatiguer (1967, Alexander MacKendrick) usent son charme jusqu’à la corde et le privent de prestations originales. Le fond est atteint avec Boeing Boeing, une comédie qu’il assure avec un Jerry Lewis en perte de vitesse.

 

  

  

Blake Edwards lui offre cependant un chef-d’œuvre de la comédie qui sort du lot, La Grande course autour du monde en 1965. Ecrasé par un Jack Lemmon au sommet de son talent comique et continuellement présent à l’écran, évincé par la fraicheur et la beauté explosive de Natalie Wood, écopant d’un rôle de bellâtre parodique au sourire plus blanc que blanc et au caractère trop parfait, Curtis s’en tire encore une fois admirablement, parvenant tout de même à imposer son style.

  

 

 

  

La fin des années 1960 arrive et Tony Curtis se sent de plus en plus proche de la porte de sortie des studios. Il donne alors tout son talent et ses espoirs dans un film qui devrait le remettre en selle, L’Etrangleur de Boston en 1968. De nouveau sous la direction de Richard Fleischer qui signe avec cette œuvre l’un des plus grands films policiers des années 1960-70, Curtis se livre complètement à son art dans le rôle d’un meurtrier schizophrène s’attaquant à des femmes.

  

Non seulement le film est à lui seul un exercice de style totalement abouti, grâce notamment à sa mise en scène extrêmement intelligente (une utilisation du split-screen comme rarement on en aura apprécié, faisant évoluer très utilement l’histoire), mais en plus l’interprétation de Tony Curtis est-elle la plus forte et la plus belle de toute sa carrière.

 

  

  

Il      suffit d' observer sa dernière scène, dix minutes de jeu comme le cinéma hollywoodien en aura livrés dans ses plus intenses moments, pour se rendre compte de la totale maîtrise du très grand acteur véritablement méconnu que fut Curtis. La profession lui reconnait alors une belle estime et le public, même s’il ne s’engouffre pas en masse dans les salles pour voir le film, est impressionné. Malgré tout, les projets ne viennent pas, et c’est vers l’Europe que Curtis se tourne, à la manière de stars américaines sur le déclin à cette époque-là, telles que Henry Fonda. Les Baroudeurs (1970, Peter Collinson) lui offre la tête d’affiche aux côtés de Charles Bronson alors très populaire en Europe, ainsi qu’un joli succès financier sur le vieux continent. Traversant ce modeste film d’aventures, Tony Curtis apparait en blouson de cuir et livre une prestation détendue, préfigurant de quelques mois son rôle futur dans la série culte Amicalement vôtre.

  

 

 

  

C’est bien de la télévision que viendra le salut, en tournant les 24 épisodes de la série Amicalement vôtre, avec Roger Moore, acteur anglais très populaire auprès du public européen, grâce surtout à son rôle de Simon Templar dans la série TV Le Saint. Amicalement vôtre propose un concept de série très original, en narrant les aventures d’un Américain parvenu et d’un Anglais de noble famille. Choc des cultures, dialogues cultes, rebondissements savamment orchestrés au sein de scénarios riches en péripéties, metteurs en scènes expérimentés, tournages en extérieurs et musique inoubliable ! Le tournage dure un an, le succès de la série dure jusqu’à aujourd’hui.

  

Culte dès sa première diffusion, cette première et unique saison déchaine les foules dans toute l’Europe, et même jusqu’en Australie. Son cocktail d’humour et d’aventure, d’action et d’évasion, ne laisse personne indifférent. Mais son manque de succès aux USA et l’annonce de la prise du rôle de James Bond au cinéma par Roger Moore mettent un terme définitif à l’avenir de la série. Restent 24 joyaux que le temps a rendu encore plus agréables, grâce entre autres à son incroyable doublage français, très amusant et inventif. Retour à l’ordinaire donc, pour Tony Curtis.

  

Il ne tournera plus que des films indignes de son talent, de moins en moins utilisé. Excepté Lepke le caïd (1975, Menahem Golan), Le Dernier nabab (1976, Elia Kazan) et Le Miroir se brisa (1980, Guy Hamilton), l’acteur n’apparaitra que dans des œuvres sans grand intérêt, y compris dans sa pléthorique participation à des téléfilms et séries TV.

 

  

  

  

(1) Errol Flynn était l’une des idoles de Tony Curtis qui, alors à peine adolescent, faisait tout pour voir chacun de ses films d’aventures à leur sortie. Dans les années 1950, Flynn ne fait plus partie du système. Exilé en Europe et sur les mers, notamment et surtout pour des raisons financières, l’acteur ne reviendra qu’à la fin de la décennie à Hollywood et tournera trois films de fin de carrière relativement marquants, avant de disparaître, usé par l’aventure de plusieurs vies consumées en une seule.

  

Toutefois, l’esprit de ses films d’aventures semble survivre dans la production des années 1950, et certains studios produisent de nouveaux films de chevaliers, de pirates et de corsaires, plus ou moins réussis, parfois adultes, parfois naïfs, mais avec panache. Curtis profitera de cette vague grâce à quelques films (cités ci-dessus) qui feront sa gloire.
(2) Hill-Hecht-Lancaster Prod., à l’origine de la production de plusieurs films, parmi les meilleurs de Burt Lancaster : Bronco Apache, Vera Cruz, Trapèze, Le Grand chantage, L’Odyssée du sous-marin Nerka, Tables séparées, Elmer Gantry le charlatan...
(3) Rappelons que le film sort bien avant la marche pour les droits civiques qui aura lieu en 1963, année où, par ailleurs, Sidney Poitier incarnera le rôle principal du film Le Lys des champs de Ralph Nelson, qui lui donnera l’Oscar du meilleur acteur.
(4) Gregory Peck obtiendra l’Oscar du meilleur acteur pour ce film sorti en 1962.
(5) Jack Lee Thompson vient de réaliser Les Canons de Navarone en 1961, un triomphe commercial mondial, et Les Nerfs à vif en 1962.

  

  

  

SOURCES :

 ARTICLE ECRIT

Par Julien Léonard- le 24 août 2012

 

http://www.dvdclassik.com/article/portrait-de-tony-curtis

 

 

 

 

  

 

 

 

 

 

Max LINDER

par Maud LINDER
english version

 

Photographie extraite de Sept ans de malheur. A partir de 1920, Max saura utiliser plus fréquemment les gros plans. Collection Privée Maud Linder

"Max est Cinéma, comme le cinéma lui-même", écrivait Louis Delluc. Et pourtant Max Linder est certainement aujourd'hui l'un des cinéastes les plus méconnus de son temps. Il est vrai que dans la mémoire collective son nom demeure. Mais rares sont ceux qui se souviennent encore de sa silhouette élégante et svelte qui, entre les années 1905 et 1925, virevoltait sur les écrans, l'éternel haut-de-forme crânement fiché sur la tête, faisant rire toute l'Europe et les Etats-Unis de ses mésaventures.

S'il devint la toute première vedette internationale du cinéma, c'est certainement dû à sa compréhension spontanée de cette forme d'expression nouvelle. Tout d'abord, il sut s'éloigner de la grandiloquence gestuelle et théâtrale pratiquée à l'époque, pour donner à son jeu la simplicité et le naturel de la vie quotidienne.

Par ailleurs, il fut le premier à créer à l'écran un véritable personnage, sorte de dandy à la française perpétuellement confronté à des situations cocasses et même parfois périlleuses. Doué d'une imagination débordante, source inépuisable de gags, il en truffait ses films, dont la trame s'inspirait souvent d'un fait divers ou d'une expérience personnelle.

Et c'est ainsi que tout naturellement les aventures hebdomadaires de Max étaient attendues avec impatience par un public fidèle et enthousiaste... Il en a été dénombré plus de 350...

Mais la guerre de 1914 devait interrompre cette carrière sans précédent. Ramené du front mourant, il sera définitivement réformé. En 1916, s'estimant rétabli, il signe un contrat mirifique avec les Studios Essanay de Chicago que Chaplin venait de quitter. Mais sa santé encore fragile le trahit et ne lui permet de tourner que trois films sur les douze prévus. Malade, il rentre en France pour se faire soigner chez lui...

Et il va disparaître pour quelques temps des écrans, tandis qu'un nouveau venu, Charlot, prend à son tour la vedette.

Il faudra attendre plus d'un an pour qu'il puisse tourner à nouveau, à la demande de son ami Tristan Bernard, dans une adaptation cinématographique du Petit Café. Le film obtint tant de la critique que du public un accueil enthousiaste : aux yeux de chacun, c'était le retour de Max !

Mais Max Linder, lui, repart aux Etats-Unis, à Los Angeles, devenue la capitale mondiale du cinéma. Il sera tout à la fois producteur, scénariste, metteur en scène et principal interprète des trois réalisations qu'il produira successivement : Sept ans de malheur, Soyez ma femme, et ce qu'il considérait comme son meilleur film, L'étroit mousquetaire...

Une des photographies de presse du film " L'Etroit Mousquetaire " distribué par les United Artists Collection Privée Maud Linder	Quel que soit le sujet du film, et même dans " L'Etroit Mousquetaire ", Max trouvera toujours un prétexte pour coiffer, ne serait-ce qu'un instant, son haut-de-forme fétiche. Collection Privée Maud Linder

Cette dernière réalisation à peine terminée, Max, exténué, se voit une nouvelle fois obligé de quitter les Etats-Unis, et c'est en convalescence à Lausanne qu'il reçoit le télégramme de Douglas Fairbank, ami fidèle et aussi représentant des Artistes Associés qui dans le monde entier distribuent le film : "Votre film remporte un énorme succès à New York. Critiques enthousiastes. Toutes mes félicitations et amitié. Douglas Fairbank."

Et le petit d'Artagnan de Max bénéficiera en France d'un accueil tout aussi chaleureux, bien évidemment... Puis il tournera Au secours avec Abel Gance, mais la divergence de vue des deux amis sur le montage en interdira la sortie.

En 1923, il épouse une jeune fille de 17 ans, Ninette Peters, et part réaliser en Autriche Le Roi du cirque qui sera son dernier film. Malgré les critiques élogieuses que ce film remporte, malgré sa nomination à la présidence de la Société des Auteurs de Films, malgré la préparation terminée de la super production Le chevalier Barkas, malgré son engagement pour tourner une adaptation du Chasseur de chez Maxim's... il abandonne brusquement tous ses projets et, à l'âge de 42 ans, se suicide entraînant se jeune femme dans la mort.

La disparition de la plus grande partie de son œuvre est certainement la raison principale de l'oubli dans lequel il est tombé.  

 

récit et sources : http://www.lips.org/bio_linder.asp

  

  

 

 

 

 

 

 

 

MADAME SANS GENE

 

 

 

Historique de 1941       Réalisation et scénario de Roger RICHEBÉ   D'après la pièce de Victorien SARDOU et Émile MOREAU   Co-scénariste Jean AURENCHE   Dialogues de Pierre LESTINGUEZ   Directeurs de la photographie Jean ISNARD et Charles SUIN   Musique de Vincent SCOTTO       avec   ARLETTY   Aimé CLARIOND   Henri NASSIET   Maurice ESCANDE   Albert DIEUDONNÉ   Robert VATTIER   Alain CUNY   Paul Amiot   Paul Barge   Mona Dol   Geneviève Morel   Odette Talazac   Léon Walther   Pierre Ferval   Joé Davray   Max Mégy   André Lorière   Pierre Vernet   Jean Chaduc   Hubert de Malet   Maurice Dorléac   André CARNÈGE   Pierre Dargout   Guy Denancy   Tony Murcie   Suzanne Bara   Jeanne REINHARDT   Madeleine SYLVAIN   Geneviève AUGER   Marcel Talmont   Raymonde Devarennes   Claude Martial   Robert Méral

Sortie le 07 octobre 1941

VIDEO :

http://www.youtube.com/watch?v=z8OJVbWjq60

 

  

  

  

 

Résumé En 1792, alors que les révolutionnaires prennent d'assaut les Tuileries, Catherine Hubscher, qui tient une blanchisserie, vient en aide à un noble autrichien blessé, le comte Neipperg.   Bien des années plus tard, vers 1810, après avoir épousé le sergent Lefebvre, un fidèle de Napoléon devenu maréchal et duc de Dantzig, Catherine vit à la cour. Mais ses origines modestes et son franc-parler, qui l'ont fait surnommer “Madame Sans-Gêne”, lui valent l'inimitié des sœurs de l'Empereur, la reine Caroline et la princesse Élisa. À tel point que Napoléon demande au maréchal Lefebvre de divorcer.      Au même instant, le comte Neipperg, soupçonné d'avoir des relations coupables avec Marie-Louise d'Autriche, la nouvelle Impératrice, est sommé par la police de l'empereur, dirigée par Savary, de quitter la France. Mais il ne peut s'y résoudre avant d'avoir revu Marie-Louise. Le soir, il se rend en secret dans le palais où il est capturé par les gardes. Napoléon ordonne son exécution immédiate.   Convoquée le même soir par l'Empereur, Catherine, à nouveau, vient au secours de celui qu'elle aida jadis. Elle appelle son ami Fouché, qui n'attend qu'une occasion pour reprendre sa place de Ministre de la Police. Fouché sauve la vie du comte Neipperg alors que l'Empereur reçoit la preuve que ses relations avec l'Impératrice étaient toutes platoniques; Fouché succédera à Savary et, le lendemain, l'Empereur invitera la maréchale Lefebvre dans sa calèche particulière, lui montrant ainsi publiquement son estime.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Aimos Raymond (1889-1944)

 

 

 

Georges Méliès

 

 

(8 Décembre 1861- 21 Janvier 1938)

Né en 1861 à Paris , Georges Méliès est surtout connu pour être le père des effets spéciaux. Il mit au point de nombreux trucages.

 

En 1896 il crée son premier trucage, un peu par hasard :

"En projetant la bande, ressoudée au point où s'était produite la rupture, je vis subitement un omnibus Madeleine-Bastille changé en corbillard et des hommes changés en femmes !"

Méliès déjà passionné de prestidigitation se rend compte du potentiel de cet évènement. Le cinéma va enfin pouvoir montrer autre chose que la réalité et donc commencer à inventer.

Afin de réaliser ses trucages, Méliès fait construire un studio. Méliès a plusieurs cordes à son arc : il est à la fois producteur, réalisateur, scénariste, décorateur, machiniste et acteur.

 

 

 

Ses films rapportent rapidement un grand succès dans le monde entier. Mais les difficultés ne tardent pas à arriver. Tout d'abord, ses films sont volés, piratés ou détournés, ce qui lui cause une importante perte d'argent. L'arrivée des premiers films burlesques n'arrange rien. Il s'associe en 1911 à Pathé.

  

Lorsque Méliès perd sa femme en 1913, il décide d'arrêter de faire des films. Mais les difficultés ne s'arrêtent pas là. La première guerre mondiale se profile déjà et le théâtre Robert-Houdin est fermé.

  

  

  

Le réalisateur se trouve alors sans emploi et décide de transformer son studio en théâtre, ce qui finit par fonctionner. Peu après, Méliès se voit obliger de vendre sa proprièté à cause de poursuites lancées par un créancier.

  

  

  

C'est après la seconde guerre mondiale en 1947 que son studio est détruit et avec lui, s'en vont la plupart de ses films.

  

Dans un excès de colère, Méliès n'arrange rien en détruisant lui-même une partie de son oeuvre.

 

 

Méliès épouse Jeanne D'Arcy en 1925 et tient avec elle une boutique de jouets. Léon Druhot, directeur de Ciné-Journal, retrouve le réalisateur dans cette boutique et lui redonne toute sa valeur.

 

  

Les surréalistes redécouvrent alors son oeuvre et il est décoré en 1931 par la Légion d'Honneur. Méliès finit la la fin de sa vie dans le château d'Orly grâce à la mutuelle du cinéma. Il décède en 1938.

 

 

 

  

Son oeuvre nous est parvenue notamment grâce à Henri Langlois, l'un des fondateurs de la Cinémathèque française, qui permet de restaurer une partie de ses films. Ainsi, depuis 1946, le Prix Méliès est décerné chaque année pour récompenser le meilleur film français ou la meilleure coproduction française. En 2008, une partie de son oeuvre est sortie en dvd.

 

 

Ci dessus : son plus célèbre film : Le voyage dans la Lune

Les Trucages de Méliès :

Méliès utilise de nombreuses figures telles que la métamorphose, les apparitions et les disparitions, les coffres inépuisables, le mobilier capriceux ... Cependant, trois thèmes se détachent, à savoir : - Les personnages inanimés (dessins, vêtements, mannequins) prennent vie. - Un personnage ou une partie de son corps se dédouble, décuple et etc.. - Un personnage ou une partie de son corps prend des proportions insolites.

Méliès a inventé deux grands types de trucage, à savoir : l'arrêt de caméra et la surimpression.

Arrêt de caméra :

Ce trucage permet de créer des apparitions et des disparitions. Comme nous l'explique C Malthete-Melies, "il s'agit très généralement d'un collage droit occupant le quart ou le cinquième supérieur de l'image." Qui dit collage, dit montage. Pour créer ce type de montage, il fallait donc filmer toutes les apparitions et disparitions et même un peu plus, mais le travail de montage permettait de réaliser le trucage.

 

L'escamotage d'une dame chez Robert-Houdin (1896)

Surimpression :

Malthete-Melies nous explique que "ce trucage nécessite un rebobinage de la pellicule pour une seconde impression." Il faut donc deux collages pour introduire le trucage dans le film: l'un en début, l'autre en fin de surimpression. Il existe cependant des collages originaux de réparation.

 

  

Le Mélomane (1903)

La surimpression multiple existe aussi. Il s'agit d'abord de filmer les décors et les personnages. Ensuite, l'on rembobine la pellicule et l'on filme sur un fond noir le personnage ou l'objet que l'on veut faire apparaître à un endroit précis du décor.

 

 

Un homme de têtes (1898)

 

  

L'Homme à la Tête en Caoutchouc (1902)

Ici le trucage consiste à faire grossir une tête L'on retrouve ce thème dans Le Diable Géant et Nain et Géant mais technique différente (succession de plans en surimpression représentant le personnage à différentes échelles.)

 

 

Il arrive que Méliès utilise des effets pyrotechniques pour appuyer un autre effet (apparition ou disparition la plupart du temps).

Article écrit par Erin

sources : http://www.odysseeducinema.fr/GeorgesMelies.php

  

  

  

Bibliographie :

Analyse Filmique

Cinéma : La Grande Histoire du Septième Art de Demas et Lamy

Le dossier de Dominique Coujard sur les effets spéciaux

  

  

  

En savoir plus :

Un dossier très sympathique sur Méliès et son travail

 

  

La Lune Rouge vous explique quelques trucages avec des images de l'époque

  

  

 

 

Avec l'arrivée de la photographie instantanée vers 1870, on tente de saisir les mouvements trop rapides pour l'œil. On projette les chronophotographies grâce à la lanterne magique :

  

les photographies ou les dessins, animés et projetés, recréent ainsi pour les spectateurs le mouvement.

  

La première projection publique a lieu à Paris en 1895.

  

Les films sont muets et accompagnés au piano.

Aux États-Unis, des studios sont créés à Hollywood, près de Los Angeles, qui dispose de paysages variés et d'un soleil éclatant. Les réalisateurs mettent leur caméra sur les trains : on passe du plan-fixe aux mouvements de caméra. Entre 1895 et 1905, tous les genres cinématographiques font leur apparition (western, film de science-fiction, etc.)

 

 

Le voyage dans la lune” de Georges Méliès, 1902.

 

 

http://famousfrenchfilms.wordpress.com/2010/01/20/le-voyage-dans-la-lune-de-georges-melies-1902/

 

 

  Avec sa nouvelle femme, Jehanne d'Alcy (une de ses anciennes actrices), qu'il épouse en 1925, il tient une boutique de confiseries/jouets

à la gare Montparnasse à Paris.

 

 

René Clair et Paul Gilson lancent l'idée d'un gala de rétrospective sur l'oeuvre de Georges Méliès. Cette reconnaissance aura lieu le 16 décembre 1929 à la Salle Pleyel de Paris.

Il est décoré de la Légion d'Honneur en 1931 par Louis Lumière en personne.

Nouvelle crise financière pour la France qui oblige Georges Méliès et son épouse à fermer la boutique de confiseries/jouets en 1932. Ils sont accueillis avec Madeleine, sa petite-fille (fille de Georgette) au château d'Orly, propriété de la Mutuelle du Cinéma ou il passera le reste de sa vie jusqu'à son décès le 21 janvier 1938.

 Avec plus de 500 courts-métrages, le réalisateur a fait évoluer le cinéma, tant sur le plan technique qu'au niveau scénarii.

Pour ses techniques de tournage et surtout ses trucages, il est aujourd'hui considéré comme le père des Effets Spéciaux.

Il est enterré au Cimetierre du Père-Lachaise. Sur sa tombe, on peut lire - "Georges Méliès, Créateur du Spectacle Cinématographique".

 

 

 

 

 

 

 

 

Chaplin Charlie (1889-1977)

 

 

 

 

 

Sa mère était institutrice et son père, ingénieur. Il affirme à son père son désir de devenir chimiste mais en réalité, il se rend à New York avec un ami et y découvre Broadway. Il y est remarqué, il obtient le rôle d'Eugène Curie dans “Manya” alors qu'il n'a que 20 ans.

Milton Lewis qui travaille pour la Paramount lui fait faire un bout d'essai. Il signe un contrat de 6 mois à 50 dollars par semaine. Le chef du service de presse remplace son nom par Holden.

  

Young

  

En seulement quelques semaines, William Holden devient le héros remarqué de “L'Esclave Aux Mains D'Or” (1939) avec Barbara Stanwick, dans le rôle d'un boxeur. Alors qu'il fête ses 24 ans, l'Amérique entrée en guerre quelques mois plus tôt : il décide de s'engager dans l'aviation.

 

  

 

  

Le 12 juillet 1941, il se marie avec l'actrice Brenda Marshall (1915-1992) jusqu'en 1971. Ils eurent 2 enfants : Peter né en 1943 et Scott Porter (1946-2005).

En dcembre 1945, Williiam Holden retourne aux studios. Il aura passé presque 4 années dans l'armée. En 1949, “Boulevard Du Crépuscule” de Billy Wilder avec Gloria Swanson lui vaut la nomination pour l'Oscar.

Mais il devra attendre jusqu'en 1953 pour l'obtenir grace à “Stalag 17″ de Billy Wilder. Cette Oscar est une consécration, dès lors les succès s'enchainent. Il devient partenaire des plus grands noms féminins d'Hollywod : Barbara Stanwyck, Grace Kelly, Kim Novak, Jennifer Jones et Deborah Kerr.

 

En 1954, le tournage de “Sabrina” de Billy Wilder se passe mal. Humphey Bogart, son partenaire se fache avec le réalisateur et estimait que seule Lauren Bacall (alors son épouse) était capable d'interpréter ce rôle. Or Billy n'a pas fléchit, de plus, William Holden était tombé litteralement amoureux d'Audrey Hepburn : ses relations avec Humphrey n'étaient donc plus des meilleures. Pour terminer, les différences de salaires étaient nettes : Humphrey Bogart reçu un cachet de 300 000 dollars, William Holden 150 000 dollars et la pauvre Audrey Hepburn seulement 15 000 dollars !!

En 1955, il est le 4ème au box-office américain. En 1957, William Holden interprète donc le Shears dans “Pont De La Rivière Kwai”.

  

LE PONT DE LA RIVIERE KWAI

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En plus d'une somme garantie de 25 000 dollars, l'acteur obtient un pourcentage sur les recettes. Le film sera un succès et qui lui permettra d'obteni une rente à vie.

 

En juillet 1966, il est victime d'un accident de la route.

En 1973, William fait ses débuts au petit écran américain en étant le héros d'un téléfilm en 2 parties : “The Blue Knight”. Il y joue un policier de Los Angeles à la veille de sa retraite. Sa dernière apparition date de 1981 dans le film “SOB”.

Le 16 novembre 1981, William Holden est trouvé mort dans son appartement de Santa Monica, en Californie; des conséquences d'une chûte.

 

Retrouvez son étoile au Walk of Fame au numéro 1651 sur Vine Stree

 

Quelques citations :

“Ma vie évolue tous les 10 ans. Il y a eu Hollywood, puis, 10 ans après, l'Extrême-Orient, puis l'Afrique. Je me demande ce qui arrivera maintenant”

“Je suis une putain, tous les acteurs sont des putains. Nous vendons nos corps au plus haut offrant”

 

  

  

  

Pour plus d'informations, visitez :

http://www.cinememorial.com/Acteur_detail.php?id=706

 

William Holden, de son vrai nom William Franklin Beedle Jr. est un acteur américain né le 17 avril 1918 à O'Fallon dans l'Illinois (États-Unis) et mort le 16 novembre 1981 à Santa Monica en Californie (États-Unis).

Il fut l'une des plus grandes stars de Hollywood dans les années 50 et 60, alternant les rôles marquants dans des films devenus des classiques, parmi lesquels Boulevard du crépuscule, Stalag 17, Sabrina, Le Pont de la rivière Kwaï ou La Horde sauvage. Il tourna avec les plus grandes stars de l'époque, John Wayne, Alec Guinness, Humphrey Bogart, Peter Sellers, Gloria Swanson, Audrey Hepburn, Deborah Kerr ou encore Barbara Stanwyck.

Séducteur à la beauté frappante et au physique athlétique, il fut un acteur emblématique de cette faste période de Hollywood. Il est classé par l'American Film Institute (AFI) 25^e Star de Légende.

Stéphanie Power et Bill

Biographie :

Jeunesse et ascension vers la gloire :

Né William Franklin Beedle Jr à O'Fallon dans l'Illinois, aîné de trois enfants, il est le fils d'une institutrice, Mary Blanche, et d'un chimiste industriel, William Franklin Beedle Sr. La famille déménage en Californie quand il a trois ans. Diplômé de l'école South Pasadena, il entre au Pasadena Junior College pour continuer ses études scientifiques, où il s'implique dans la radio locale. Contrairement à la légende, il n'a pas étudié à la Pasadena Playhouse et n'a pas été repéré dans une pièce de théâtre qu'il y jouait.

Il part à New York avec un ami, laissant tomber ses études pour suivre les mêmes traces que son père, et débute à Broadway grâce à Bob Ben Ali dans Manya. A 20 ans, il joue un personnage qui en a soixante de plus. Il est alors repéré par Milton Lewis, un chasseur de talents au service de la puissante Paramount Pictures, qui lui offre un contrat pour six mois. Après un petit rôle dans Three faces east, il obtient un rôle de tout premier plan aux côtés de Barbara Stanwyck dans L'Esclave aux mains d'or (Golden Boy). Son rôle de violoniste devenu boxeur le fait remarquer pourtant il va par la suite enchaîner des rôles dans des productions mineures de la Paramount Pictures et de Columbia Pictures. Pendant la Seconde Guerre mondiale, il sert comme lieutenant dans l'armée de l'air, et épouse Brenda Marshall la même année. Il continue à tourner des films toutes ces années, et devient père de deux enfants : Peter et Scott.

La gloire internationale :

 

Cette année-là il tourne La Tour des ambitieux de Robert Wise où il retrouve Barbara Stanwyck. Il remporte, avec le reste de la distribution, le prix spécial du jury au Festival de Cinéma de Venise en Italie. Le tournage de Sabrina est plus difficile : il ne supporte pas Humphrey Bogart et tombe amoureux d'Audrey Hepburn. Celle-ci n'envisage pas de relation plus durable avec Holden qui est déjà marié et qui a subi une vasectomie qui l'empêche d'avoir des enfants, souhait le plus cher de l'actrice.

Sa réputation d'homme à femmes ne s'effrite pas avec ses rôles suivants : il côtoie Grace Kelly par deux fois dans Une fille de la province et Les Ponts de Toko-Ri, Kim Novak dans Picnic en 1955 et Sophia Loren dans La Clé. William Holden continue de briller dans des productions viriles qui ne font que contribuer à son succès international : il joue dans Le Pont de la rivière Kwaï de David Lean en 1957, dont le succès est tel qu'il lui assure assez d'argent jusqu'à la fin de ses jours, et il est un médecin opposé à John Wayne dans Les Cavaliers de John Ford.

 

Fin de carrière :

Lors d'un voyage en Afrique, il tombe amoureux du Kenya. Il réinvestit une partie de l'argent gagné sur Le Pont de la rivière Kwaï dans l'achat d'un Ranch, qui devient une réserve naturelle (une fondation qui porte son nom existe aujourd'hui^]).

 

Il n'abandonne pas le chemin des studios et continue à tourner dans des grandes productions hollywoodiennes. En 1964, il retrouve péniblement Audrey Hepburn pour Deux têtes folles : « J'ai réalisé que j'allais être obligé de revoir Audrey et de prendre en main mon problème d'alcool, or je ne me sentais pas capable d'affronter ni l'une ni l'autre de ces situations. ». La liaison qu'il vit avec Capucine, un ancien mannequin, n'arrange pas les choses. Il arrive souvent ivre sur le tournage, et doit même s'arrêter de tourner quelques jours^[2].

Il est de Casino Royale en 1967, renoue avec le film de guerre l'année suivante pour La Brigade du diable de Andrew V. McLaglen mais c'est surtout le film de Sam Peckinpah, La Horde sauvage qui semble être le point culminant de cette fin de carrière. Le film, qui met aussi en scène Ernest Borgnine et Warren Oates est un classique du western. Dès lors, il freine sa carrière.

Il apparaît aux côtés de Bourvil dans L'Arbre de Noël, Breezy de Clint Eastwood et dans un classique du film catastrophe, La Tour infernale en 1974 avec Paul Newman et Steve McQueen. En 1976, il tient le rôle principal dans Network de Sydney Lumet aux côtés de Faye Dunaway, un de ses derniers grands rôles. Il joue également avec Newman en 1980 dans Le Jour de la fin du monde. Son dernier film est S.O.B. de Blake Edwards aux côtés d'un grand nombre de vedettes, dont Julie Andrews.

 

Breezy

Décès :

Alcoolique notoire de longue date, William Holden n'a jamais réussi à surmonter son problème et connaît une fin tragique : ivre, il fait une chute qui l'empêche d'appeler du secours. Il est retrouvé mort le 16 novembre 1981 dans sa villa de Santa Monica. Sa dépouille est incinérée et ses cendres sont dispersées dans l'Océan Pacifique. Quelques mois plus tard, Barbara Stanwyck en recevant son Oscar d'Honneur lui rendit hommage, en déclarant :

« Je l'aimais beaucoup et il me manque. Il a toujours souhaité que j'aie cet Oscar. Alors ce soir, mon Golden Boy, ton vœu se réalise ».

 

Liaisons : Grâce Kelly, Audrey Hepburn, Capucine, et sa dernière compagne, Stéphanie Power.

 

 

 

 

 

 

 

Gélin Daniel (1921-2002)

 

Daniel Gélin naît le 19 mai 1921 à Angers, en France.

Après des études inachevées au Conservatoire de Paris, il débute au cinéma dans des petits rôles. Pendant la 2nd guerre mondiale, Daniel est sans le sou.

Il fréquente les studios et à force de dynamisme, de volonté et de persevérance, Jean Marchat l’engage au théâtre pour jouer « Dieu Est Innocent » avec Simone Signoret qui entamait sa carrière et avec qui il partagera un moment de sa vie.

Vers la fin de la guerre, il est en pleine progression, son couple rencontre le succès au cinéma mais Daniel trompe régulièrement son épouse, il finit par sombrer dans la drogue et le divorce est finalement prononcé.

Sa rencontre avec Jean Becker l’impose comme comédien de 1er plan avec le film « Rendez-Vous De Juillet » (1949). Sa silhouette mince, nerveuse, la mèche romantique qui tombe sur ses yeux sombres et qu’il relève d’un geste brusque marque le cinéma des années 50. Il y compose des personnages tourmentés, marqués de cette angoisse existentialiste ou des héros de comédie fragiles et déterminés porteurs d’une inquiétude lointaines.

 

Daniel gélin 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Dans les années 60, il se consacre surtout au théâtre et à la télévision, et n’apparaîtra plus qu’épisodiquement au cinéma.

Sa carrière demeure impressionnante avec 172 films à son actifs entre 1940 et 2002 !! On peut citer certains grands films : « Lucrèce » (1943) avec Edwige Feuillère, « Un Ami Viendra Ce Soir » (1945) avec Madeleine Sologne et Michel Simon, « La Femme En Rouge » (1946) avec Andrex, « Edouard Et Caroline » (1950) avec Anne Vernon, « Adorables Créatures » (1952) avec Danielle Darrieux, Martine Carol et Edwige Feuillère, « L’Affaire Maurizius » (1954) avec Charles Vanel et Eleonora Rossi Drago ou encore « La Belle Romaine » (1954) avec Gina Lollobrigida.

Sa dernière apparition était en 2002 dans le court-métrage « A L’Abri Des Regards Indiscrets » avec Didier Bourdon et Jean-Pierre Cassel.

Au cours de sa vie, il se maria à 3 reprises :

- l’actrice Danièle Delorme de 1945 jusqu’en 1954. Ils eurent un enfant : Xavier Gélin (1946-1999).

- Sylvie Hirsh de 1955 jusqu’en 1968. Ils eurent 2 enfants : Manuel (1958-) et Fiona Gélin (1962-).

- Lydie Zaks de 1973 jusqu’à son décès le 29 novembre 2002. Ils eurent un enfant : Laura (1975-).

Sa fille Maria Schneider (1952-) est née de sa liaison avec le mannequin Marie-Christine Schneider.

Son fils Xavier était à son tour acteur, il est décédé d’un cancer en 1999. Son 2nd fils a suivi à son tour les traces de son père et de son frère en devenant acteur.

Sa fille Fiona est également actrice et s’est mariée en 2002. Elle est mère d’un petit garçon né de sa liaison avec l’acteur Michel Albertini.

Daniel Gélin est décédé le 29 novembre 2002 d’insuffisance rénale à Paris.

Il est inhumé au cimetière de Rocadey, à Saint-Malo.

 

Pour plus d’informations, visitez :

http://www.cinememorial.com/Acteur_detail.php?id=243

http://www.cinemotions.com/modules/Artistes/fiche/7627/Daniel-Gelin/biographie.html