FILMS ANNEES 40

Par Dona Rodrigue dans Accueil le 30 Décembre 2012 à 15:34

FILMS DES ANNEES 40

L'Occupation :

En 1939, la guerre s'abat sur l'Europe, et se prolongera jusqu'en 1945. En France, malgré l'oppression de l'Occupation, les cinéastes continuent à faire vivre le septième art, comme Marcel Pagnol (La fille du puisatier), Jean Grémillon (Remorques) ou Maurice Tourneur (Volpone). Le cinéma est alors servi par des acteurs comme Raimu (Les inconnus dans la maison) , Fernandel (Simplet) ou Pierre Fresney (Le corbeau).

Une majorité de cinéastes lutte, pacifiquement pour les uns, ou plus activement pour les autres, contre l'occupant. Et si un bon nombre de cinéastes ne s'impliquent pas directement dans le combat, ils gagnent l'un après l'autre le sol des pays alliés ou neutres. Ainsi, René Clair se rend aux Etats-Unis après avoir tourné Les visiteurs du soir, non sans avoir, derrière un masque d'innocence, réussi à maintenir la fragile flamme de l'espoir dans les yeux du public, en affirmant qu'un pays enchaîné n'est pas un pays vaincu. D'autres débutent une carrière à Hollywood, comme Jean Renoir (Vivre libre) ou Julien Duvivier (Obsessions).

Le cinéma de propagande :

Dans tous les pays totalitaires, les films permettent aux dictateurs de glorifier leurs idéologies. En URSS, la plupart des films qui animent les salles sont consacrés à la guerre. Le cinéma allemand, lui, a dû se plier aux ordres des nouveaux dirigeants, qui commandèrent dès leur arrivée au pouvoir des mises en scène d'actualité ainsi que des documentaires explicitement nazis à l'antisémitisme flagrant. Mais les responsables du cinéma du troisième Reich souhaitent aussi développer la production de films de fiction, standardisés et prenant en compte une propagande bien plus discrète, afin de créer une "usine à rêve" allemande, exigeant, parallèlement, des réalisations clairement anti-britannique, anti-française et anti-soviétique.

Le cinéma américain :

Parallèlement à ces films qui défendent les valeurs de la démocratie occidentale, de nombreux westerns ou films d'aventures sont produits, mettant en scène des acteurs comme Gary Cooper (Le cavalier du désert), Errol Flynn (La charge fantastique) et Tyrone Power (Le cygne noir). C'est aussi la mode des biographies, comme Dr. Ehrlich's magic bullet ou Une dépêche de Reuter réalisés par William Dieterle et interprétés par Edward G. Robinson.

Rita Hayworth

Pendant que la guerre déchire l'Europe, outre-atlantique, les studios de Los Angeles savourent leur rayonnement à travers le monde, et produisent plusieurs centaines de films par an. Charlie Chaplin dans Le dictateur, et Ernst Lubitsch dans To be or not to be caricaturent Hitler et les nazis. Afin d'épauler ces comédies qui dénoncent, avec leurs propres armes, non seulement le nazisme, mais aussi le fascisme et l'impérialisme japonais, les studios hollywoodiens présentent aussi des réalisations qui participent à l'effort de guerre. Sur les écrans s'enchaînent alors la série des films intitulés Du sang sur la neige de Raoul Walsh, Casablanca de Michael Curtiz, Cinquième colonne d'Alfred Hitchcock, Hitler's madman de Douglas Sirk, ou Un espion a disparu de Richard Thorpe.

Issu du théâtre d'avant-garde et de la radio, Orson Welles présente Citizen Kane, marquant ainsi un tournant esthétique décisif dans l'évolution des studios hollywoodiens. Bien qu'il soit aujourd'hui élevé au rang d'œuvre fondamentale dans l'histoire du septième art, ce film affronte, à sa sortie, l'insuccès public et l'accueil réservé que lui font la majorité des critiques américains. L'extraordinaire liberté dont a bénéficié Orson Welles pour cette première mise en scène, aura pour conséquence de lui empêcher le contrôle du montage de tous ses prochains films. Pour échapper à cette mainmise du système de production hollywoodien sur ses réalisations, il sera contraint de quitter les Etats-Unis et s'expatriera en Europe.

Enfin, les années 1940 voient apparaître les premiers films noirs, qui s'illustreront jusqu'à l'aube des années 1950. Des mises en scène subtilement venimeuses, plongées dans des univers nocturnes, voient alors le jour sur les écrans, comme Le facteur sonne toujours deux fois de Tay Garnett. Humphrey Bogart deviendra l'acteur emblématique de ces réalisations sombres et énigmatiques, sous la direction de plusieurs cinéastes, comme John Huston pour Le faucon maltais, ou Howard Hawks pour Le port de l'angoisse. Sa partenaire à la voix rauque Lauren Bacall, choisie pour son insolence, représentera une des actrices mythiques des années 1940. Parallèlement, Rita Hayworth deviendra, avec Gilda de Charles Vidor, la femme fatale par excellence. Bette Davis est également une grande star de l'époque (L'étrangère).

La comédie américaine est évidemment tout aussi présente sur les écrans (Young ideas).

Le néoréalisme italien :

A l'aube des années 1940, certains cinéastes italiens, de plus en plus souvent confrontés au manque d'argent pour financer leurs tournages, s'aventuraient hors des studios, et descendaient dans la rue pour y placer leurs caméras. Mais cette plus grande liberté dans la manière de concevoir le cinéma, qui est une des caractéristiques principales de ce nouveau mouvement du néoréalisme, prend véritablement son essor à partir de 1945. Les réalisateurs s'attacheront désormais à capturer les images de la réalité, et relateront ainsi la vérité du moment qu'est la misère tragique du peuple, répondant de ce fait aux attentes des critiques italiennes qui souhaitaient un cinéma moins nourri de futilités. Dans ces films, les personnages sont autant incarnés par des acteurs professionnels, quand ils acceptent les rôles, que par de simples amateurs, et représentent peu à peu des individus à part entière auxquels les spectateurs s'attachent, les aimant sans les juger.

Les précurseurs de ce courant sont des cinéastes comme Luchino Visconti (Les amants diaboliques), Roberto Rossellini (Rome, ville ouverte) ou Vittorio De Sica (Le voleur de bicyclette). Toutes ces mises en scène sont porteuses d'un profond humanisme, et laissent entrevoir, derrière une implacable détresse, la flamme d'une espérance croissante; et plus l'ouragan du conflit planétaire s'éloigne, plus l'optimisme parsème les scénarios.

Le cinéma français d'après guerre :

Les cinéastes français poursuivent la production de films policiers qu'ils avaient entrepris avec succès sous l'Occupation, comme L'assassin habite au 21 d'Henri Georges Clouzot. Ainsi Yves Allégret réalise Manèges et Henri Georges Clouzot Quai des orfèvres. Quand à René Clément, il réalise des films de guerre devenus légendaires, comme La bataille du rail ou Les maudits.
Parallèlement, quelques cinéastes se lance dans le fantastique, comme René Clair (La beauté du diable) ou Jean Cocteau (Orphée).

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